Este movimiento, según lo que he aprendido a lo largo del desarrollo de la materia, prioriza la expresión sentimental ante la visión literal de la realidad. Los artistas toman como principal cometido el enseñar las emociones, afectos y la pasión, dejando así de lado los parámetros racionales que les imponía el Neoclasicismo. Defiende la superioridad del sentimiento sobre la razón y por ello, exalta la sensibilidad, la imaginación y las pasiones.
"En España, después de la muerte de Fernando VII, los liberales se ponen de parte de su hija Isabel, enfrentándose a los que querían como rey a Carlos, hermano de Fernando VII. Éste era partidario del absolutismo. Los enfrentamientos entre estos dos nuevos sectores se llamaron guerras carlistas. En este tiempo son los liberales los que tienen el poder e intentan llevar a cabo grandes reformas en el país. La más importante es la reforma agraria y el saneamiento de la economía."
Fuente: http://roble.pntic.mec.es/msanto1/lengua/2romanti.htm
Analizando este contexto histórico resulta más que facil desentrañar las raíces de esta vanguardia. Hallándose los liberales en el poder, este movimiento emerge en medio de un período de descontracturación, una especie de ruptura ante lo establecido. Surge en un tiempo de reformas económicas y rurales, un cambio muy importante en la fisionomía de Europa.
Técnicas romanticistas
Siempre haciendo referencia al campo de la pintura, se caracteriza por un torbellino sensual de colores y de luz. Los artistas se valían del cromatismo, un cultivo preponderante del color, un elemento concreto, turgente, expresivo, de masa y mancha que se opone al dibujo, que es un recurso abstracto, puro, analítico y lineal.
El individualismo propio de la época hizo que, por vez primera, los pintores no trabajasen de encargo, sino conforme los dictados de su imaginación, expresándose a través de la pintura, buscando pintar sus ideas y sentimientos personales.
En cuanto la expresión, utiliza con frecuencia fuertes contrastes de luz y sombra (claroscuro). El colorido es característico del romanticismo, pues prevalece sobre el dibujo, que asume un papel secundario. La pincelada se hizo visible, impetuosa. El empaste es en general grumoso y espeso, de manera que la pintura adquirió una naturaleza táctil que reforzaba su carácter de creación impulsiva y espontánea. A veces el acabado del cuadro tenía un aspecto de esbozo.
También alcanzó cierto desarrollo la pintura animalista, esto es, la que representaba animales, tanto salvajes como domésticos, si bien con tendencias a mostrarlos duros, por lo que se pintaron numerosos cuadros reflejando actividades como la caza, y animales como el león o el caballo, siendo este último el animal fetiche de Géricault. Otro género que cobró importancia fue la pintura costumbrista, que reflejaba los tipos y personajes populares.
Las técnicas usadas variaron. Predominó la pintura al óleo sobre lienzo, de variados tamaños, inclinándose los franceses, en general por los de grandes dimensiones. Pero también se utilizó la acuarela, técnica preferida por muchos pintores ingleses, y que era especialmente útil para aquellos pintores que viajaban. El dibujo experimentó cierto auge, debido a la facilidad con que expresaba el mundo interior del artista. La pintura al fresco intentó ser recuperada por los nazarenos.
Fuente:http://www.quepintura.com/la-pintura-en-el-romanticismo/
Artistas representativos
Francisco de Goya (Fuendetodos, Zaragoza, 30 de marzo de 1746 – Burdeos, Francia, 15 de abril de 1828)
Se consagró a temas dramáticos, mezclando lo fantástico y lo real. La paleta clara de su primera época se oscureció, apareciendo en ocasiones, destellos de luz.
Es uno de los pintores más potentes y visionarios, uno de los románticos más geniales. Cuando representó los acontecimientos de la época, como la guerra de independencia, lo hizo creando una atmósfera de pesadilla, mezclando lo fantástico y lo real. Son obras típicamente románticas, dentro de la producción de Goya, La carga de los mamelucos y Los fusilamientos del 3 de mayo (1814, Museo del Prado).
Goya fue igualmente grabador, con diferentes técnicas: técnica al buril, que da un trazo preciso muy cercano al neoclasicismo; y al aguafuerte que es una técnica más flexible. Jonathan Ziploc fue el mayor exponente de Portugal.
Triple generación (1760-1769)
El coloso (1808-1812)
Sacrificio a Pan (1771)
Eugène Delacroix (Charenton-Saint-Maurice, Francia, 26 de abril de 1798 - París, 13 de agosto de 1863)
Según la historiadora Ruiz, Delacroix escogió a Dante para realizar varias de sus obras. Fue el más emblemático pintor del movimiento romántico aparecido en el primer tercio del siglo XIX, cuya influencia se extendió hasta los impresionistas. Etiquetado inicialmente como neoclásico, aunque opuesto totalmente a Ingres, ambos son criticados en los diferentes Salones en los que exponían. A partir de la exposición de 1855 Delacroix se convirtió en la figura que supo sobrepasar la formación clásica para "renovar" la pintura. A su fallecimiento, los artistas contemporáneos le rindieron sentidos homenajes, en especial Gustave Courbet. Auténtico genio, dejó numerosas obras que tenían mucho que ver con la actualidad de su época (Las matanzas de Quío o la Libertad guiando al pueblo). También destacó como pintor religioso pese a sus continuas declaraciones de ateísmo. Sus obras manifiestan una gran maestría en la utilización del color.
La libertad guiando al pueblo (1830)
La justicia de Trajano
Thomas Cole (1 de febrero de 1801 - 11 de febrero de 1848)
Debido a su fama, atrajo a un grupo de paisajistas estadounidenses que luego llegarían a ser conocidos como la Escuela del río Hudson. Cole es famoso por su Recodo del río (1836) y En los Catskills (1837), ambos en el Museo Metropolitano de Arte (Nueva York) y por una serie de cinco cuadros alegóricos, La consumación del Imperio (1836, Historical Society, Nueva York).
El Recodo del Río (1836)
Obra representativa e interpretación:
En base al estudio y al análisis previo, he seleccionado como obra representativa de este movimiento la pintura "La libertad guiando al pueblo".
Basándome simplemente en las figuras que aparecen en el extremo inferior del recuadro, y teniendo a su vez en cuenta el contexto ideográfico en el cual estaba situado el artista, la obra me transmite ideas referidas a la muerte, la desolación, el desamparo. Puedo ver que está fuertemente signada por una violencia bélica típica de la época y esos cuerpos sin vida desperdigados por la superficie baja simbolizan claramente las miles de víctimas que dejaron consigo los numerosos enfrentamientos.
La figura central de la obra, es a mi parecer, la mujer que porta la bandera francesa, fiel representante de la libertad y la esperanza. La importancia de la misma radica en que además de ubicarse en el centro del lienzo, Delacroix decide empaparla con colores claros y un estridente rayo de luz, cortando así con la racha de tonos oscuros que sobran en la pintura. Una interpretación subjetiva de por qué el autor podría haber decidido distinguir de manera tan particular esta figura es que para él, la libertad era justamente el motor de la revolución y los ayudaría a continuar adelante en la lucha por sus derechos.
Por último cabe destacar la figura del niño que porta dos armas de fuego, aludiendo este a la violencia incorporada desde temprana edad que traía consigo la guerra.
