Realizando una visión analítica sobre lo estudiado hasta el momento puedo concluir que este trabajo me ha resultado muy útil para mi formación académica. Reconozco pinturas y movimientos que son esenciales para la cultura general y mundial e incorporé nuevos e indispesables saberes sobre la historia del arte. La importancia de los aprendizajes tan notables en esta área en particular radican en que dispusimos de cortos períodos de tiempo de esta clase de materias (las que establecen relaciones con el arte y sus derivados) y se produjo un vacío conceptual dentro de mi mente.
También es imposible omitir el hecho de que si bien el plazo de entrega fue bastante espaciado, consistió en todo un desafío para mí y creo para cada una de las alumnas. El hecho de que se les imponga una fecha inamovible de finalización nos entrena para consignaciones de trabajos universitarios en un futuro no muy lejano.
Utilizar los blogs y las tecnologías modernas es indiscutiblemente un punto a favor en esta experiencia. A pesar de que existieron ciertas dificultades en un principio, con atención y esfuerzo aprendí la manera correcta de manejar los sitios webs de esta categoría y las diferentes estrategias en cuanto a perfección del trabajo informático.
Una sugerencia útil y crítica constructiva podría ser el trabajar mayoritariamente en clase estos informes, pues surgieron muchas dificultades e incoherencias en el camino que podrían haber sido resueltas mucho más rápido y ágilmente con la prescencia de la docente.
lunes, 23 de abril de 2012
sábado, 14 de abril de 2012
Neoexpresionismo
Definición y origen
Este movimiento surge en Alemania y Estados Unidos a finales de los años sesenta y principio de los setenta, pero adquiere su consolidación en la década posterior.
Lejos de las improntas que el minimal art había impuesto junto con otras corrientes de orden abstracto, todas las cuales valoran el concepto de la obra en detrimento de cualquier sentido de espontaneidad, el neoexpresionismo se propone retomar la figuración desde su tratamiento violento y primitivo, determinado por la pincelada y el uso de colores contrastantes, aunque conservando la disposición tradicional de la composición.
Fuertemente vinculado a la transvanguardia italiana y la figuración libre francesa, este estilo surgió como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los años setenta. El neoexpresionismo se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda.
Técnicas neoexpresionistas
El neoexpresionismo destaca por obras de gran tamaño, con una técnica agresiva: el "dripping", pinceladas gestuales aplicadas violentamente sobre la tela. Generalmente son obras figurativas, aunque sin rechazar la abstracción. Utilizan gamas cromáticas amplias, con intensos contrastes cromáticos. Es el primer movimiento de posguerra alemán que se enfrenta a su propia historia, asumiendo el vacío de la época nazi, a la cual ironizan y ridiculizan.
Artistas representativos
Beckmann, Max
Leipzig, 1884 – Nueva York, 1950
Pintor y grabador alemán.
Estudia, desde 1899, en la Academia de las Artes de Weimar, perfeccionando su formación en Florencia y en París, donde sienta las bases de sus conocimientos sobre el impresionismo, y se interesa por la pintura medieval y renacentista de Piero della Francesca y Signorelli. En 1906 se une a la secesión berlinesa, siendo un rebelde de las actividades de vanguardia de su generación. Su actividad como voluntario del ejército en 1914 le hace transformar su estilo en un expresionismo muy personal, reflejo de un realismo descarnado en busca de una intención filosófica mayor, cobrando las necesidades éticas gran importancia: en esta época desarrolla un tipo de composición vertical, de organización bidimensional, característica de toda su obra. En los años veinte adopta una simbología enigmática que intenta combinar cristianismo y mitología griega. Inspirándose en la tradición gótica realiza numerosos trípticos, entre ellos: Partida (MoMA). Durante la II Guerra Mundial la obra de Beckmann sufre las persecuciones que los nacional-socialistas dirigen al arte moderno, instalándose en Ámsterdam en 1937 y donde permanece hasta 1947, cuando se traslada a EEUU. Ya en vida, participa en numerosas exposiciones, considerándose sus trípticos la aportación más sincera de la cultura alemana a la reflexión sobre la desorientación en el mundo moderno. Su influencia es notable en el neoexpresionismo alemán de los años ochenta.
Este movimiento surge en Alemania y Estados Unidos a finales de los años sesenta y principio de los setenta, pero adquiere su consolidación en la década posterior.
Lejos de las improntas que el minimal art había impuesto junto con otras corrientes de orden abstracto, todas las cuales valoran el concepto de la obra en detrimento de cualquier sentido de espontaneidad, el neoexpresionismo se propone retomar la figuración desde su tratamiento violento y primitivo, determinado por la pincelada y el uso de colores contrastantes, aunque conservando la disposición tradicional de la composición.
Fuertemente vinculado a la transvanguardia italiana y la figuración libre francesa, este estilo surgió como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los años setenta. El neoexpresionismo se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda.
Técnicas neoexpresionistas
El neoexpresionismo destaca por obras de gran tamaño, con una técnica agresiva: el "dripping", pinceladas gestuales aplicadas violentamente sobre la tela. Generalmente son obras figurativas, aunque sin rechazar la abstracción. Utilizan gamas cromáticas amplias, con intensos contrastes cromáticos. Es el primer movimiento de posguerra alemán que se enfrenta a su propia historia, asumiendo el vacío de la época nazi, a la cual ironizan y ridiculizan.
Artistas representativos
Beckmann, Max
Leipzig, 1884 – Nueva York, 1950
Pintor y grabador alemán.
Estudia, desde 1899, en la Academia de las Artes de Weimar, perfeccionando su formación en Florencia y en París, donde sienta las bases de sus conocimientos sobre el impresionismo, y se interesa por la pintura medieval y renacentista de Piero della Francesca y Signorelli. En 1906 se une a la secesión berlinesa, siendo un rebelde de las actividades de vanguardia de su generación. Su actividad como voluntario del ejército en 1914 le hace transformar su estilo en un expresionismo muy personal, reflejo de un realismo descarnado en busca de una intención filosófica mayor, cobrando las necesidades éticas gran importancia: en esta época desarrolla un tipo de composición vertical, de organización bidimensional, característica de toda su obra. En los años veinte adopta una simbología enigmática que intenta combinar cristianismo y mitología griega. Inspirándose en la tradición gótica realiza numerosos trípticos, entre ellos: Partida (MoMA). Durante la II Guerra Mundial la obra de Beckmann sufre las persecuciones que los nacional-socialistas dirigen al arte moderno, instalándose en Ámsterdam en 1937 y donde permanece hasta 1947, cuando se traslada a EEUU. Ya en vida, participa en numerosas exposiciones, considerándose sus trípticos la aportación más sincera de la cultura alemana a la reflexión sobre la desorientación en el mundo moderno. Su influencia es notable en el neoexpresionismo alemán de los años ochenta.
Retrato de Quappi en el café de la playa. Acuarela sobre papel
Mujer yacente (Liegende), 1932. Acuarela sobre lápiz.
Schnabel, Julian
Nueva York, 1951
Pintor estadounidense.
Estudia en la Universidad de Houston (1969 1973), participando en el Whitney Museum Independent Study Program entre 1973 y 1974. Se da a conocer a finales de los setenta como figura controvertida que abandera el movimiento de la new image pidiendo el retorno a la pintura. Importante representante de la bad painting, muestra desde sus inicios su preferencia por los formatos grandes de superficies formadas a partir de collages y de texturas diferentes; se trata de montajes eclécticos con referencias tanto al arte clásico como al contemporáneo que ponen en tela de juicio la idea de la obra como un todo. Desnudo azul con espada (Galería Bruno Bischofberger, Zúrich, 1979 1980), es ejemplo de la obra de este artista, probablemente el más expuesto y con mayor éxito de su generación. En su inauguración el Museo de Guggeheim de Bilbao (1999) le dedica un sala. En 1996 realiza su primera película Basquiat y a partir de entonces se dedica principalmente a esta actividad. En el 2000 su labor como director es reconocida por la Academia al ser nominada al Oscar su película Antes que anochezca, donde narra la vida del poeta cubano Reinaldo Arenas.
España
Large girl with no Eyes
Obra representativa e interpretación
Opino que el trabajo "España" de Julian Schnabel,caracteriza a la perfección el movimiento estudiado, debido a que transmite emociones muy fuertes sin pudor alguno. Esta obra encarna asímismo temas demasiado contundentes como la opinión acerca de la situación económico-social de un país al que Schnabel no pertenecía. El artista, lejos de considerar su decisión bastante arriesgada e impertinente, se encarga de reflejar todos los incovenientes éticos, morales y culturales de España.
Sitios Utilizados
http://www.masdearte.com/index.php?option=com_content&view=article&id=7915&Itemid=8
http://es.wikipedia.org/wiki/Neoexpresionismo
Hiperrealismo
Definición y origen
Conocido también como realismo fotográfico o realismo radical, el hiperrealismo es la escuela pictórica de tendencia realista más absoluta de la historia. El hiperrealismo pretende ofrecer una versión minuciosa y detallada de las imágenes.
Nacido en la West-Coast de los Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX, el hiperrealismo se promovió en Europa por la V Documenta (1972) de Kassel y fue confirmado por la exposición que Uldo Kulterman presentó en París bajo ese nombre.
En América del Norte, donde el pop art había arelado profundamente, el hiperrealismo se trabajaba a partir de la reproducción pintada de los objetos de consumo y de las imágenes publicitarias correspondientes. En esta línea encontramos la reproducción manual de fotografías, lo que constituye la esencia del hiperrealismo americano. Check y Don Eddy nos ofrecen en sus imágenes aquellos aspectos aburridos característicos de la civilización de masas con la misma objetividad de una cámara fotográfica que funciona mecánicamente. De hecho, transfieren a la plástica vivencias adquiridas en la cultura de la imagen.
En Europa, en cambio, el hiperrealismo no suele tener connotaciones del pop art y se impregna de un lirismo casi surrealista. La obra de Antonio López es el exponente más genial de esta versión del hiperrealismo.
Técnicas Hiperrealistas
Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.
Artistas representativos
Duane Hanson
Duane Hanson fue uno de los más destacados artistas de la escultura hiper-realista en las décadas 70, 80 y 90; con trabajos donde las escenas se presentan muy casuales y con mucha naturalidad, yendo desde vendedores de ferias o turistas hasta el guardia de un banco.
Nació en Minnesota en 1925 un 17 de enero. Estudió en la Universidad de Malacaster donde obtuvo la maestría en la Academia de Arte de Cranbrook en Bloomfields, Michigan en 1951.
Desde 1953 a 1960 vivió en Alemania donde comenzó a trabajar como profesor y donde empezó a experimentar con algunos materiales sintéticos como la resina de poliéster y la fibra de vidrio. Más tarde en 1960 volvió a Estados Unidos para dar clases de arte en Oglethorpe en la Universidad de Atlanta.
Durante mucho tiempo, Hanson concebía sus esculturas a partir de un espíritu de protesta social contemporánea y movimientos de agitación política. Las temáticas variaban entre la desigualdad racial y el peligros de lo ilegal, fue donde se destacaron las mayor convicciones del artista.
Abortion (1965), la primera escultura fue una cruda muestra de lo que el artista buscaba transmitir y comunicar. La obra muestra a una mujer que yace cubierta por una sábana blanca tras haber sufrido un aborto ilegal. Este trabajo denunciaba el hecho de que muchas jóvenes desesperadas por su situación recurrieran a la práctica de abortos ilegales. Hanson pretendía concientizar a la sociedad sobre el riesgo que suponía para sus vidas. Fue una obra muy discutida y criticada.
Queenie II
Man with Camera
Simon Hennesey
Simon Hennessey es un hiperrealista que se especializa en el retrato y la figura humana. Sus primeros planos de los rostros de la gente realmente se puede apreciar cuando se inicia mirando los pequeños detalles. El pelo, las arrugas y la imagen en su totalidad fue pintadas a través de acrílicos.
Rob Hefferan
Pintor nacido en Manchester en 1968. Desde un principio fue de espíritu libre vagando sin rumbo fijo por intentar encontrar aquello que le hiciera feliz. Él quería hacer una carrera artística y con el paso del tiempo, obtuvo una plaza en la universidad para tener el título de ilustrador, aunque después de un año, empezó a sentirse desilusionado por las limitaciones del curso y decidió ir por libre. Pasó un duro año elaborando un portafolio para demostrar sus habilidades como diseñador e ilustrador, cosa con la que consiguió un mayor número de contratos importantes, que iban desde campañas publicitarias hasta portadas de libros para niños. Con todo este trabajo, pronto encontró aquello con lo que realmente disfrutaba, no dejándose llevar nunca por el éxito.
Sus pinturas tienen una calidad artística indiscutible, cargadas de detalles en las que juega con luces y sombras creando un ambiente intimista y en donde la mujer adquiere un importante papel, tanto que, en la mayoría de los casos, tiende a confundirse con una fotografía.
Obra representativa e interpretación
A pesar de la infinidad de obras y artistas que podemos llegar a encontrar dentro de este tan reciente movimiento, descato entre ellas a esta de Simon Hennessey. Fiel a su movimiento, este pintor británico con una notable técnica fotorrealista pinta como siempre con acrílico y oleos sobre tela. El retrato de esta modelo fue llevado a cabo, según la bibliografía, luego de extensas sesiones de trabajo y ardua producción. Según mi opinión personal, el trabajo es bueno y muy estético. La ilusión óptica que juega con la fotografía y la pintura no cesa en sorprenderme y a la vez agradarme, pero no obstante y en sentidos estéticos, esta obra fue la que más me agradó.
Sitios Utilizados
http://www.artelista.com/hiperrealismo.html
http://hemisferiodiestro.wordpress.com/2010/06/26/esculturas-hiper-realistas-3-duane-hanson/
http://www.taringa.net/posts/arte/8379738/Grandes-Artistas-_-Hiperrealismo-en-pintura_.html
Conocido también como realismo fotográfico o realismo radical, el hiperrealismo es la escuela pictórica de tendencia realista más absoluta de la historia. El hiperrealismo pretende ofrecer una versión minuciosa y detallada de las imágenes.
Nacido en la West-Coast de los Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX, el hiperrealismo se promovió en Europa por la V Documenta (1972) de Kassel y fue confirmado por la exposición que Uldo Kulterman presentó en París bajo ese nombre.
En América del Norte, donde el pop art había arelado profundamente, el hiperrealismo se trabajaba a partir de la reproducción pintada de los objetos de consumo y de las imágenes publicitarias correspondientes. En esta línea encontramos la reproducción manual de fotografías, lo que constituye la esencia del hiperrealismo americano. Check y Don Eddy nos ofrecen en sus imágenes aquellos aspectos aburridos característicos de la civilización de masas con la misma objetividad de una cámara fotográfica que funciona mecánicamente. De hecho, transfieren a la plástica vivencias adquiridas en la cultura de la imagen.
En Europa, en cambio, el hiperrealismo no suele tener connotaciones del pop art y se impregna de un lirismo casi surrealista. La obra de Antonio López es el exponente más genial de esta versión del hiperrealismo.
Técnicas Hiperrealistas
Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.
Artistas representativos
Duane Hanson
Duane Hanson fue uno de los más destacados artistas de la escultura hiper-realista en las décadas 70, 80 y 90; con trabajos donde las escenas se presentan muy casuales y con mucha naturalidad, yendo desde vendedores de ferias o turistas hasta el guardia de un banco.
Nació en Minnesota en 1925 un 17 de enero. Estudió en la Universidad de Malacaster donde obtuvo la maestría en la Academia de Arte de Cranbrook en Bloomfields, Michigan en 1951.
Desde 1953 a 1960 vivió en Alemania donde comenzó a trabajar como profesor y donde empezó a experimentar con algunos materiales sintéticos como la resina de poliéster y la fibra de vidrio. Más tarde en 1960 volvió a Estados Unidos para dar clases de arte en Oglethorpe en la Universidad de Atlanta.
Durante mucho tiempo, Hanson concebía sus esculturas a partir de un espíritu de protesta social contemporánea y movimientos de agitación política. Las temáticas variaban entre la desigualdad racial y el peligros de lo ilegal, fue donde se destacaron las mayor convicciones del artista.
Abortion (1965), la primera escultura fue una cruda muestra de lo que el artista buscaba transmitir y comunicar. La obra muestra a una mujer que yace cubierta por una sábana blanca tras haber sufrido un aborto ilegal. Este trabajo denunciaba el hecho de que muchas jóvenes desesperadas por su situación recurrieran a la práctica de abortos ilegales. Hanson pretendía concientizar a la sociedad sobre el riesgo que suponía para sus vidas. Fue una obra muy discutida y criticada.
Queenie II
Man with Camera
Simon Hennesey
Simon Hennessey es un hiperrealista que se especializa en el retrato y la figura humana. Sus primeros planos de los rostros de la gente realmente se puede apreciar cuando se inicia mirando los pequeños detalles. El pelo, las arrugas y la imagen en su totalidad fue pintadas a través de acrílicos.
Rob Hefferan
Pintor nacido en Manchester en 1968. Desde un principio fue de espíritu libre vagando sin rumbo fijo por intentar encontrar aquello que le hiciera feliz. Él quería hacer una carrera artística y con el paso del tiempo, obtuvo una plaza en la universidad para tener el título de ilustrador, aunque después de un año, empezó a sentirse desilusionado por las limitaciones del curso y decidió ir por libre. Pasó un duro año elaborando un portafolio para demostrar sus habilidades como diseñador e ilustrador, cosa con la que consiguió un mayor número de contratos importantes, que iban desde campañas publicitarias hasta portadas de libros para niños. Con todo este trabajo, pronto encontró aquello con lo que realmente disfrutaba, no dejándose llevar nunca por el éxito.
Sus pinturas tienen una calidad artística indiscutible, cargadas de detalles en las que juega con luces y sombras creando un ambiente intimista y en donde la mujer adquiere un importante papel, tanto que, en la mayoría de los casos, tiende a confundirse con una fotografía.
Obra representativa e interpretación
A pesar de la infinidad de obras y artistas que podemos llegar a encontrar dentro de este tan reciente movimiento, descato entre ellas a esta de Simon Hennessey. Fiel a su movimiento, este pintor británico con una notable técnica fotorrealista pinta como siempre con acrílico y oleos sobre tela. El retrato de esta modelo fue llevado a cabo, según la bibliografía, luego de extensas sesiones de trabajo y ardua producción. Según mi opinión personal, el trabajo es bueno y muy estético. La ilusión óptica que juega con la fotografía y la pintura no cesa en sorprenderme y a la vez agradarme, pero no obstante y en sentidos estéticos, esta obra fue la que más me agradó.Sitios Utilizados
http://www.artelista.com/hiperrealismo.html
http://hemisferiodiestro.wordpress.com/2010/06/26/esculturas-hiper-realistas-3-duane-hanson/
http://www.taringa.net/posts/arte/8379738/Grandes-Artistas-_-Hiperrealismo-en-pintura_.html
Op Art
Definición y origen
La expresión "Op art" corresponde a la abreviación de "optical art", la cual es una forma artística contemporánea que alcanzó su auge en la década de 1960.
El op art consiste en efectos cromáticos y formales dinámicos, que incorpora la indolencia visual, por lo que se aprecian más estructuras cromáticas que plásticas.
El op art es un movimiento pictórico que surge a finales de la década de 1950, para asentarse en los años sesenta. Su finalidad es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la superficie del cuadro.
Se diferencia del arte cinético por la total ausencia de movimiento real.
Este movimiento fue rápidamente aceptado por el público por su estudiadas formas, que influyeron en otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la moda.
Técnicas del Op Art
Algunas de los métodos empleados por los eruditos en esta tipología artística son:
Repetición de las formas simples.
Los colores crean efectos vibrantes.
Gran efecto de profundidad.
Confusión entre fondo y primer plano.
Hábil uso de las luces y las sombras.
El resultado es el de un espacio tridimensional que se mueve.
Aunque el movimiento no sea real, el efecto es de total dinamismo.
En la retina se sienten vibraciones, altibajos, formas que emergen y se retrotaen.
Artistas representativos
Victor Vasarely (Pécs, Hungría, 9 de abril de 1906 - Francia, 15 de marzo de 1997)
fue un artista al que se ha considerado a menudo como el padre del Op Art.
Comenzó a estudiar medicina en Hungría, pero dejó la carrera al cabo de dos años. Se interesó entonces por el arte abstracto y por la escuela de Muheely (principios de la Bauhaus), fundada en Budapest (Hungría) por un alumno de la Bauhaus. Le atrajeron Mondrian y Malévich y se interesó por la astronomía.
Se trasladó a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En esta ciudad desarrolla su primer trabajo mayor, Zebra, que se considera hoy en día la primera obra de Op art. Durante las dos décadas siguientes, Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas y perspectivas, e imágenes inestables. Utilizó diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores. Tenía consideración por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes, tramas).
A pesar de esta aparente monotonía, tiene una larga evolución y diversas etapas en su producción artística.
Thez
Titan C
Tri-Dragg
Jesús Rafael Soto(Ciudad Bolívar, 5 de junio de 1923 - París, 14 de enero de 2005)
Es un importante creador del arte cinético, que inicia y desarrolla a finales de los años 50. Desde los años 70 hasta los 90 los trabajos de Soto son expuestos en lugares como el MOMA y Museo Guggenheim de Nueva York, Centro Georges Pompidou en París y la Bienal de Venecia de 1966 y la Bienal de São Paulo en 1996.
Soto es particularmente famoso por sus "penetrables", esculturas dentro de las cuales las personas pueden caminar e interactuar. Se ha dicho que el arte de Soto es inseparable del observador, sólo puede estar completo con la ilusión percibida por la mente como resultado de la observación.
Doble relación, 1969
Pintura sobre madera, metal y nailon. Col. Museo Tamayo
Arte Contemporáneo, México
Fotografía: Jesús Sánchez Uribe
Cuadrados verdes y negros, 1974
Pintura y metal sobre madera
Col. particular, Ciudad de México
Fotografía: Jesús Sánchez Uribe
Obra representativa e interpretación
El interés manifiesto en involucrar al espectador en sus obras llevan a Soto a buscar la manera de introducirse en los planos o bien de extenderlos en el espacio para envolver al espectador. Es así que llega a finales de la década del ’60 a la realización de sus Penetrables, permitiendo el desplazamiento físico dentro de la obra.
Esta obra de Soto, muy estética y formalizada, permite un rico diálogo con las obras cinéticas de los artistas argentinos Julio Le Parc, Marta Boto, Gregorio Vardanega, Luis Tomasello, entre otros, presentes en colecciones locales tanto públicas como privadas. La presencia de Soto en Argentina es frecuente en exposiciones colectivas sobre abstracción desde la década del ‘60. Es importante destacar que en el año 1964 en la II Bienal organizada por Industrias Kaiser Argentina de Córdoba, bienal centrada en los países de América del Sur, Jesús Rafael Soto obtiene el Primer Premio.
Sitios utilizados
http://www.taringa.net/posts/arte/914826/Pintura---Jesus-Rafael-Soto---Arte-cinetico.html
http://www.profesorenlinea.cl/artes/OpArt.htm
http://www.spanisharts.com/history/del_impres_s.XX/arte_sXX/vanguardias2/op-art.html
La expresión "Op art" corresponde a la abreviación de "optical art", la cual es una forma artística contemporánea que alcanzó su auge en la década de 1960.
El op art consiste en efectos cromáticos y formales dinámicos, que incorpora la indolencia visual, por lo que se aprecian más estructuras cromáticas que plásticas.
El op art es un movimiento pictórico que surge a finales de la década de 1950, para asentarse en los años sesenta. Su finalidad es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la superficie del cuadro.
Se diferencia del arte cinético por la total ausencia de movimiento real.
Este movimiento fue rápidamente aceptado por el público por su estudiadas formas, que influyeron en otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la moda.
Técnicas del Op Art
Algunas de los métodos empleados por los eruditos en esta tipología artística son:
Repetición de las formas simples.
Los colores crean efectos vibrantes.
Gran efecto de profundidad.
Confusión entre fondo y primer plano.
Hábil uso de las luces y las sombras.
El resultado es el de un espacio tridimensional que se mueve.
Aunque el movimiento no sea real, el efecto es de total dinamismo.
En la retina se sienten vibraciones, altibajos, formas que emergen y se retrotaen.
Artistas representativos
Victor Vasarely (Pécs, Hungría, 9 de abril de 1906 - Francia, 15 de marzo de 1997)
fue un artista al que se ha considerado a menudo como el padre del Op Art.
Comenzó a estudiar medicina en Hungría, pero dejó la carrera al cabo de dos años. Se interesó entonces por el arte abstracto y por la escuela de Muheely (principios de la Bauhaus), fundada en Budapest (Hungría) por un alumno de la Bauhaus. Le atrajeron Mondrian y Malévich y se interesó por la astronomía.
Se trasladó a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En esta ciudad desarrolla su primer trabajo mayor, Zebra, que se considera hoy en día la primera obra de Op art. Durante las dos décadas siguientes, Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas y perspectivas, e imágenes inestables. Utilizó diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores. Tenía consideración por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes, tramas).
A pesar de esta aparente monotonía, tiene una larga evolución y diversas etapas en su producción artística.
Thez
Titan C
Tri-Dragg
Jesús Rafael Soto(Ciudad Bolívar, 5 de junio de 1923 - París, 14 de enero de 2005)
Es un importante creador del arte cinético, que inicia y desarrolla a finales de los años 50. Desde los años 70 hasta los 90 los trabajos de Soto son expuestos en lugares como el MOMA y Museo Guggenheim de Nueva York, Centro Georges Pompidou en París y la Bienal de Venecia de 1966 y la Bienal de São Paulo en 1996.
Soto es particularmente famoso por sus "penetrables", esculturas dentro de las cuales las personas pueden caminar e interactuar. Se ha dicho que el arte de Soto es inseparable del observador, sólo puede estar completo con la ilusión percibida por la mente como resultado de la observación.
Doble relación, 1969
Pintura sobre madera, metal y nailon. Col. Museo Tamayo
Arte Contemporáneo, México
Fotografía: Jesús Sánchez Uribe
Cuadrados verdes y negros, 1974
Pintura y metal sobre madera
Col. particular, Ciudad de México
Fotografía: Jesús Sánchez Uribe
Obra representativa e interpretación
El interés manifiesto en involucrar al espectador en sus obras llevan a Soto a buscar la manera de introducirse en los planos o bien de extenderlos en el espacio para envolver al espectador. Es así que llega a finales de la década del ’60 a la realización de sus Penetrables, permitiendo el desplazamiento físico dentro de la obra.
Esta obra de Soto, muy estética y formalizada, permite un rico diálogo con las obras cinéticas de los artistas argentinos Julio Le Parc, Marta Boto, Gregorio Vardanega, Luis Tomasello, entre otros, presentes en colecciones locales tanto públicas como privadas. La presencia de Soto en Argentina es frecuente en exposiciones colectivas sobre abstracción desde la década del ‘60. Es importante destacar que en el año 1964 en la II Bienal organizada por Industrias Kaiser Argentina de Córdoba, bienal centrada en los países de América del Sur, Jesús Rafael Soto obtiene el Primer Premio.
Sitios utilizados
http://www.taringa.net/posts/arte/914826/Pintura---Jesus-Rafael-Soto---Arte-cinetico.html
http://www.profesorenlinea.cl/artes/OpArt.htm
http://www.spanisharts.com/history/del_impres_s.XX/arte_sXX/vanguardias2/op-art.html
Pop Art
Origen y definición
El Pop Art nace por 1960 en Estados Unidos, como reacción artística frente al Expresionismo Abstracto, ya que lo consideraba vacío y elitista.
Las fuentes del pop beben de la realidad cotidiana del momento, de la cultura de masas que nace de la industria de la reproducción; todo el mundo podía ver imágenes continuamente con lo cual la sacralización de la obra de arte dejaba de ser algo que tan sólo se viese en los museos. Estos artistas intentaban buscar imágenes sencillas y reconocibles y elevarlas a la categoría de arte.
El Pop es una manifestación occidental que ha ido creciendo bajo la sombra de las condiciones capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial. Norteamérica es el centro del programa, con lo cual se produce la americanización de la cultura de todo el mundo Occidental, en especial la de Europa.
El Pop nace en dos ciudades: New York y Londres.
Se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras,1 además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.
Cualquier cosa se podía repetir y reproducir hasta el infinito, artículos y retratos de personajes de la alta sociedad. La reproducción de la obra de arte es una de la bases de este estilo. El retrato, como sucedió en épocas exteriores, toma una gran fuerza. Todas las personas relevantes ansiaban tener su propia visión pop. Delante de Andy Warhol se pusieron Marilyn, Jacquelin Kennedy, Grace Kelly... para que dejasen constancia de su paso por la modernidad.
Ténicas del Pop Art
El Pop Art es un movimiento artístico que utiliza la técnica de la yuxtaposición de diferentes elementos: cera, oleo, pintura plástica.....con materiales de desecho: fotografías, trapos viejos, collages, assemblages...etc.
Los temas pictóricos del "Pop Art" estan motivados por la vida cotidiana, reflejan las realidades de una época y refuerzan el cambio cultural. La Coca-Cola, los Helados, el Seven-Up, la Pepsi-Cola, la Pasta de dientes, la Sopa de conserva, los Cigarrillos....se convierte en la iconografía del "Pop Art". El artista como reportero dibuja en sus obras, de temática banal y descuidada ejecución, un universo cercano al ciudadano de a pie, que niega el virtuosismo en ejecución en pro de la reproducción múltiple y desinteresada.
El tamaño de las obras era cada vez más espectacular, propiciando la ampliación de los motivos que pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica; la expresividad queda relegada a un segundo término, manteniendo la supremacía un estilo impersonal que retrata su contemporaneidad con sutil conformismo.
Artistas representativos
Andy Wharol (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987)
Hijo de emigrantes checos, inició sus estudios de arte en el Instituto Carnegie de Tecnología, entre 1945 y 1949. Fue uno de los primeros creadores en explotar conscientemente su imagen con objetivos autopromocionales; de ese modo, y mediante un proceso de identificación, adquirió a los ojos del público significaciones propias de un producto publicitario más. En 1963, inició una carrera cinematográfica basada en los mismos principios que su obra plástica (como la reiteración visual), de fuerte contenido sexual y erótico: Empire, Kiss, Chelsea girls. En una última etapa retornó a un formato más tradicional y rodó The love y Women in revolt.
Retrato del artista al músico estadounidense Michael Jackson.
Billy Apple (Auckland, Nueva Zelanda en 1935)
Es un artista cuyo trabajo está asociado con el de Nueva York y las escuelas británicas de arte pop en la década de 1960 y con el arte conceptual movimiento en la década de 1970. Ha colaborado con artistas como Andy Warhol y otros artistas pop. Su obra forma parte de la colección permanente del Museo de Nueva Zelanda, Te Papa Tongarewa (Nueva Zelanda), Auckland Art Gallery / Toi o Tamaki (Nueva Zelanda), el Christchurch Art Gallery / Te Puna o Waiwhetu (Nueva Zelanda), la Universidad de Auckland (Nueva Zelanda) y el SMAK / Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (Gante, Bélgica). Apple fue uno de los artistas pioneros en el uso de neón en las obras de arte.
A New York Crop
Logo del artista
Entertaiment (1991)
Obra representativa e interpretación
He seleccionado una de las obras de la exposición en la cual Andy Warhol retrató latas de sopa "Campbell".
Me pareció importante debido a su increíble riqueza de significados en tan poco contenido. Resulta asombroso que Wahrol halla logrado "burlar" al consumismo mediante una marca de alto grado comercial y mundialmente conocida. Podríamos tomar a esta obra con cierto grado de astucia por parte del artista, debido a que fue un camino muy original para expresar la supuesta incorformidad que le generaba la sociedad moderna.
Sitios utilizados:
http://artpop.htmlplanet.com/popart.htm
http://www.navedelarte.com/estilos/popart.htm
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/w/warhol.htm
El Pop Art nace por 1960 en Estados Unidos, como reacción artística frente al Expresionismo Abstracto, ya que lo consideraba vacío y elitista.
Las fuentes del pop beben de la realidad cotidiana del momento, de la cultura de masas que nace de la industria de la reproducción; todo el mundo podía ver imágenes continuamente con lo cual la sacralización de la obra de arte dejaba de ser algo que tan sólo se viese en los museos. Estos artistas intentaban buscar imágenes sencillas y reconocibles y elevarlas a la categoría de arte.
El Pop es una manifestación occidental que ha ido creciendo bajo la sombra de las condiciones capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial. Norteamérica es el centro del programa, con lo cual se produce la americanización de la cultura de todo el mundo Occidental, en especial la de Europa.
El Pop nace en dos ciudades: New York y Londres.
Se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras,1 además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.
Cualquier cosa se podía repetir y reproducir hasta el infinito, artículos y retratos de personajes de la alta sociedad. La reproducción de la obra de arte es una de la bases de este estilo. El retrato, como sucedió en épocas exteriores, toma una gran fuerza. Todas las personas relevantes ansiaban tener su propia visión pop. Delante de Andy Warhol se pusieron Marilyn, Jacquelin Kennedy, Grace Kelly... para que dejasen constancia de su paso por la modernidad.
Ténicas del Pop Art
El Pop Art es un movimiento artístico que utiliza la técnica de la yuxtaposición de diferentes elementos: cera, oleo, pintura plástica.....con materiales de desecho: fotografías, trapos viejos, collages, assemblages...etc.
Los temas pictóricos del "Pop Art" estan motivados por la vida cotidiana, reflejan las realidades de una época y refuerzan el cambio cultural. La Coca-Cola, los Helados, el Seven-Up, la Pepsi-Cola, la Pasta de dientes, la Sopa de conserva, los Cigarrillos....se convierte en la iconografía del "Pop Art". El artista como reportero dibuja en sus obras, de temática banal y descuidada ejecución, un universo cercano al ciudadano de a pie, que niega el virtuosismo en ejecución en pro de la reproducción múltiple y desinteresada.
El tamaño de las obras era cada vez más espectacular, propiciando la ampliación de los motivos que pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica; la expresividad queda relegada a un segundo término, manteniendo la supremacía un estilo impersonal que retrata su contemporaneidad con sutil conformismo.
Artistas representativos
Andy Wharol (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987)
Hijo de emigrantes checos, inició sus estudios de arte en el Instituto Carnegie de Tecnología, entre 1945 y 1949. Fue uno de los primeros creadores en explotar conscientemente su imagen con objetivos autopromocionales; de ese modo, y mediante un proceso de identificación, adquirió a los ojos del público significaciones propias de un producto publicitario más. En 1963, inició una carrera cinematográfica basada en los mismos principios que su obra plástica (como la reiteración visual), de fuerte contenido sexual y erótico: Empire, Kiss, Chelsea girls. En una última etapa retornó a un formato más tradicional y rodó The love y Women in revolt.
Retrato del artista al músico estadounidense Michael Jackson.
Billy Apple (Auckland, Nueva Zelanda en 1935)
Es un artista cuyo trabajo está asociado con el de Nueva York y las escuelas británicas de arte pop en la década de 1960 y con el arte conceptual movimiento en la década de 1970. Ha colaborado con artistas como Andy Warhol y otros artistas pop. Su obra forma parte de la colección permanente del Museo de Nueva Zelanda, Te Papa Tongarewa (Nueva Zelanda), Auckland Art Gallery / Toi o Tamaki (Nueva Zelanda), el Christchurch Art Gallery / Te Puna o Waiwhetu (Nueva Zelanda), la Universidad de Auckland (Nueva Zelanda) y el SMAK / Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (Gante, Bélgica). Apple fue uno de los artistas pioneros en el uso de neón en las obras de arte.
A New York Crop
Logo del artista
Entertaiment (1991)
Obra representativa e interpretación
He seleccionado una de las obras de la exposición en la cual Andy Warhol retrató latas de sopa "Campbell".
Me pareció importante debido a su increíble riqueza de significados en tan poco contenido. Resulta asombroso que Wahrol halla logrado "burlar" al consumismo mediante una marca de alto grado comercial y mundialmente conocida. Podríamos tomar a esta obra con cierto grado de astucia por parte del artista, debido a que fue un camino muy original para expresar la supuesta incorformidad que le generaba la sociedad moderna.
Sitios utilizados:
http://artpop.htmlplanet.com/popart.htm
http://www.navedelarte.com/estilos/popart.htm
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/w/warhol.htm
miércoles, 11 de abril de 2012
Arte Abstracto
Origen y definición
He comprendido al arte abstracto como un estilo artístico que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales, acentuándolos, resaltando su valor y fuerza expresiva, sin tratar de imitar modelos o formas naturales. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.
En sus inicios, el arte abstracto dio lugar a grandes polémicas y discrepancias. De hecho, ya en tiempos de la Prehistoria se utilizaron la estilización y el geometrismo. Pero con el paso del tiempo se ha convertido en una fuente inagotable de ideas para los artistas de nuestro siglo y nadie se atreve ahora a poner en duda su existencia e identidad como un arte propio.
El lenguaje que se utiliza esta basado en las experiencias fauvistas y sensaciones del autor, exaltando normalmente la fuerza del color.
También existe la expresión con estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas.
Surgió alrededor de 1910 y su propósito es prescindir de todos los elementos figurativos, para así concentrar la fuerza expresiva en formas y colores sin ninguna relación con la realidad visual.
Técnicas abstractas
En la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática.
El ruso Wasily Kandinsky es el artista que impulsa la pintura no figurativa en Munich, a principios del siglo XX. “En el campo pictórico, una mancha redonda puede ser más significativa que una figura humana”, señala el pintor. Para él, el elemento interior determina la obra de arte. En 1921 Kandinsky se traslada a Berlín dónde se incorpora a la escuela de diseño, arte y arquitectura de la Bauhaus. En esta escuela se encuentra otro de los artistas destacados en la pintura abstracta, el suizo Paul Klee. El maestro explicaba en sus clases y en sus escritos cómo los elementos gráficos (el punto, la línea, el plano y el espacio) adquieren significado mediante una descarga de energía dentro de la mente del artista.
Artistas representativos
Paul Klee (1879-1940) tiene un carácter más simbólico. Transforma las figuras hasta hacerlas irreconocibles. Entre sus obras:
Pequeño paisaje de invierno con esquiadores
Composición 2
En el gris de la noche
Vasily Kandinsky (1866-1944) es el gran teórico del arte abstracto. Escribe "De lo espiritual en el arte", donde expone sus ideas y reflexiones sobre el arte, lo que es y lo que es la obra de arte. En él realiza una declaración de principios. Su pintura tiene como objetivo despertar la emoción del espectador, en el que deben actuar sólo los sentimientos.
Pone a sus cuadros títulos abstractos, intrascendentes, actitud que más tarde imitaron los demás pintores. Entre sus obras, destaco:
Puntas de arco
Alto vuelo
Zigzag Blanco
Pintura representativa e interpretación
He seleccionado la obra "En el gris de la noche" como representativa del movimiento a causa de que se pueden apreciar con mucha claridad los rasgos principales del mismo.
Debido a que se trata de una corriente muy libre y subjetiva en cuanto a interpretación, haré lo posible por ser neutra y no involucrar mi visión particular sobre la obra. El artista utilizó colores fuertes, shockeantes y confusos; por un lado una cruz como figura central, (símbolo indiscutible de la muerte y el renacer en otra vida) y un telón de escenario a la izquierda, como si toda su vida se tratara de una obra montada ya puesta en escena. Los colores claros (amarillos) forman círculos en el área central de la superficie, los cuales podrían significar confusión o reciprocidad, pájaros, trigales y hasta tres rayos de sol en el extremo superior.
Sitios utilizados:
http://www.artelista.com/arte-abstracto.html
http://www.historiayarte.net/a-arte-abstracto.html
He comprendido al arte abstracto como un estilo artístico que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales, acentuándolos, resaltando su valor y fuerza expresiva, sin tratar de imitar modelos o formas naturales. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.
En sus inicios, el arte abstracto dio lugar a grandes polémicas y discrepancias. De hecho, ya en tiempos de la Prehistoria se utilizaron la estilización y el geometrismo. Pero con el paso del tiempo se ha convertido en una fuente inagotable de ideas para los artistas de nuestro siglo y nadie se atreve ahora a poner en duda su existencia e identidad como un arte propio.
El lenguaje que se utiliza esta basado en las experiencias fauvistas y sensaciones del autor, exaltando normalmente la fuerza del color.
También existe la expresión con estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas.
Surgió alrededor de 1910 y su propósito es prescindir de todos los elementos figurativos, para así concentrar la fuerza expresiva en formas y colores sin ninguna relación con la realidad visual.
Técnicas abstractas
En la pintura abstracta, la obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza y, como consecuencia, ya no se representa hombres, paisajes, casas o flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. Una de las características principales de la pintura abstracta es el uso de un lenguaje sin forma y la libertad cromática.
El ruso Wasily Kandinsky es el artista que impulsa la pintura no figurativa en Munich, a principios del siglo XX. “En el campo pictórico, una mancha redonda puede ser más significativa que una figura humana”, señala el pintor. Para él, el elemento interior determina la obra de arte. En 1921 Kandinsky se traslada a Berlín dónde se incorpora a la escuela de diseño, arte y arquitectura de la Bauhaus. En esta escuela se encuentra otro de los artistas destacados en la pintura abstracta, el suizo Paul Klee. El maestro explicaba en sus clases y en sus escritos cómo los elementos gráficos (el punto, la línea, el plano y el espacio) adquieren significado mediante una descarga de energía dentro de la mente del artista.
Artistas representativos
Paul Klee (1879-1940) tiene un carácter más simbólico. Transforma las figuras hasta hacerlas irreconocibles. Entre sus obras:
Pequeño paisaje de invierno con esquiadores
Composición 2
En el gris de la noche
Vasily Kandinsky (1866-1944) es el gran teórico del arte abstracto. Escribe "De lo espiritual en el arte", donde expone sus ideas y reflexiones sobre el arte, lo que es y lo que es la obra de arte. En él realiza una declaración de principios. Su pintura tiene como objetivo despertar la emoción del espectador, en el que deben actuar sólo los sentimientos.
Pone a sus cuadros títulos abstractos, intrascendentes, actitud que más tarde imitaron los demás pintores. Entre sus obras, destaco:
Puntas de arco
Alto vuelo
Zigzag BlancoPintura representativa e interpretación
He seleccionado la obra "En el gris de la noche" como representativa del movimiento a causa de que se pueden apreciar con mucha claridad los rasgos principales del mismo.
Debido a que se trata de una corriente muy libre y subjetiva en cuanto a interpretación, haré lo posible por ser neutra y no involucrar mi visión particular sobre la obra. El artista utilizó colores fuertes, shockeantes y confusos; por un lado una cruz como figura central, (símbolo indiscutible de la muerte y el renacer en otra vida) y un telón de escenario a la izquierda, como si toda su vida se tratara de una obra montada ya puesta en escena. Los colores claros (amarillos) forman círculos en el área central de la superficie, los cuales podrían significar confusión o reciprocidad, pájaros, trigales y hasta tres rayos de sol en el extremo superior.Sitios utilizados:
http://www.artelista.com/arte-abstracto.html
http://www.historiayarte.net/a-arte-abstracto.html
Futurismo
Definición y origen
Si tuviera que definir este movimiento, probablemente afirmaría que surgió en Italia en el primer decenio del siglo XX. Gira en torno a la figura de Marinetti, quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.
Declaremos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva; la belleza de la velocidad. Un automóvil de carreras... un automóvil rugiente, que parece correr sobre una estela de metralla, es más hermoso que la Victoria de Samotracia
En 1910 ya se puede hablar de un grupo liderado por Marinetti. Trabajarán artistas como los pintores Russolo, Carrá, Boccioni, Balla o Severini. El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, especialmente en Italia, donde la tradición artística lo impregnaba todo. Quieren crear un arte nuevo, acorde con la mentalidad moderna, los nuevos tiempos y las nuevas necesidades. Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización. Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación, la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas.
La importancia que tuvo el futurismo, más allá de sus méritos artísticos, consistió en crear una estética desde cero, con lo que se hizo posible una profunda renovación de las técnicas y principios artísticos, cuyas repercusiones aún se sienten. Fue uno de los primeros "ismos" o vanguardias artísticas, y su valor como movimiento de ruptura allanó el camino a otras corrientes que refrescaron el panorama artístico en los albores del siglo XX.
Técnicas futuristas
En las esculturas futuristas también se intentará representar el movimiento. Para ello los planos se desarrollan en el espacio. Los pintores futuristas son también los escultores. Destacan Umberto Boccioni, quien más cultivó la escultura: Síntesis del dinamismo humano, Abstracción, y Vladímir Tatlin: monumento para la III Internacional.
El futurismo se caracterizó por el intento de captar la sensación de movimiento. Para ello superpuso acciones consecutivas, una especie de fotografía estroboscópica o una serie de fotografías tomadas a gran velocidad e impresas en un solo plano.
Artistas representativos
Giacomo Balla
Sus primeras obras, Interpretaciones Iridiscentes, Vuelos rápidos y Líneas de velocidad dieron el impulso y ritmo a las experimentaciones de los primeros años del futurismo.
Trabajó fundamentalmente sobre los aspectos ópticos del movimiento en obras como Muchacha corriendo en el balcón, Las manos del violinista o Dinamismo de un perro atado.
Muchacha corriendo en el balcón
Las manos del violinista
De la misma forma se interesa por realizar un análisis de los ritmos en ciertas aves, así como una serie sobre La velocidad del automóvil.
A partir de 1930, volvió a temas figurativos, pintando ciudades, paisajes y retratos. Fue, además, precursor del dadaísmo.
Luigi Russolo
Continúa con las sensaciones dinámicas en obras como Casas + luces + cielo, Síntesis plástica del movimiento de una mujer y Dinamismo de un automóvil.
El tren Blindado
La Revuelta
Gino Severini
En Pan Pan en Mónaco conserva parte la de figuración para fragmentarla y destrozarla dentro de sus ritmos vertiginosos.
Su pintura más importante es El tren blindado y Bal Tabarin es otra de sus obras más características.
Carlo Carrá
Se Interesó por el divisionismo de Seurat y su evolución posterior lo llevó hacia la pintura metafísica.
Funeral del anarquista Galli.
Obra representativa e interpretación
Para mí, esta es una pintura representativa del movimiento
Sitios utilizados:
http://www.arteespana.com/futurismo.htm
Si tuviera que definir este movimiento, probablemente afirmaría que surgió en Italia en el primer decenio del siglo XX. Gira en torno a la figura de Marinetti, quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.
Declaremos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva; la belleza de la velocidad. Un automóvil de carreras... un automóvil rugiente, que parece correr sobre una estela de metralla, es más hermoso que la Victoria de Samotracia
En 1910 ya se puede hablar de un grupo liderado por Marinetti. Trabajarán artistas como los pintores Russolo, Carrá, Boccioni, Balla o Severini. El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, especialmente en Italia, donde la tradición artística lo impregnaba todo. Quieren crear un arte nuevo, acorde con la mentalidad moderna, los nuevos tiempos y las nuevas necesidades. Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización. Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación, la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas.
La importancia que tuvo el futurismo, más allá de sus méritos artísticos, consistió en crear una estética desde cero, con lo que se hizo posible una profunda renovación de las técnicas y principios artísticos, cuyas repercusiones aún se sienten. Fue uno de los primeros "ismos" o vanguardias artísticas, y su valor como movimiento de ruptura allanó el camino a otras corrientes que refrescaron el panorama artístico en los albores del siglo XX.
Técnicas futuristas
En las esculturas futuristas también se intentará representar el movimiento. Para ello los planos se desarrollan en el espacio. Los pintores futuristas son también los escultores. Destacan Umberto Boccioni, quien más cultivó la escultura: Síntesis del dinamismo humano, Abstracción, y Vladímir Tatlin: monumento para la III Internacional.
El futurismo se caracterizó por el intento de captar la sensación de movimiento. Para ello superpuso acciones consecutivas, una especie de fotografía estroboscópica o una serie de fotografías tomadas a gran velocidad e impresas en un solo plano.
Artistas representativos
Giacomo Balla
Sus primeras obras, Interpretaciones Iridiscentes, Vuelos rápidos y Líneas de velocidad dieron el impulso y ritmo a las experimentaciones de los primeros años del futurismo.
Trabajó fundamentalmente sobre los aspectos ópticos del movimiento en obras como Muchacha corriendo en el balcón, Las manos del violinista o Dinamismo de un perro atado.
Muchacha corriendo en el balcón
Las manos del violinista
De la misma forma se interesa por realizar un análisis de los ritmos en ciertas aves, así como una serie sobre La velocidad del automóvil.
A partir de 1930, volvió a temas figurativos, pintando ciudades, paisajes y retratos. Fue, además, precursor del dadaísmo.
Luigi Russolo
Continúa con las sensaciones dinámicas en obras como Casas + luces + cielo, Síntesis plástica del movimiento de una mujer y Dinamismo de un automóvil.
El tren Blindado
La Revuelta
Gino Severini
En Pan Pan en Mónaco conserva parte la de figuración para fragmentarla y destrozarla dentro de sus ritmos vertiginosos.
Su pintura más importante es El tren blindado y Bal Tabarin es otra de sus obras más características.
Carlo Carrá
Se Interesó por el divisionismo de Seurat y su evolución posterior lo llevó hacia la pintura metafísica.
Funeral del anarquista Galli.
Obra representativa e interpretación
Para mí, esta es una pintura representativa del movimiento
Sitios utilizados:
http://www.arteespana.com/futurismo.htm
Cubismo
Definición y origen
El cubismo fue uno de los primeros movimientos artísticos que surgió en el siglo XX, transformándose en una verdadera revolución dentro de la pintura.
El descubrimiento del arte negro, la exposición de Cézanne en 1907 y la poesía de Apollinaire y Max Jacob se convirtieron en las principales influencias del nuevo estilo.
El descubrimiento del arte negro, la exposición de Cézanne en 1907 y la poesía de Apollinaire y Max Jacob se convirtieron en las principales influencias del nuevo estilo.
El nacimiento del cubismo constituye uno de los hitos del arte contemporáneo,ya que representa la ruptura definitiva con la pintura tradicional, distinguiéndose dos fases en este ismo:
a) Cubismo analítico: Analiza y descompone la realidad para plasmarla con elementos geométricos superpuestos y con una gama cromática restringida. No es una realidad visual sino una realidad del conocimiento, que reconstruye los
a) Cubismo analítico: Analiza y descompone la realidad para plasmarla con elementos geométricos superpuestos y con una gama cromática restringida. No es una realidad visual sino una realidad del conocimiento, que reconstruye los
objet
os como se sabe que son, no como se ven.
b) Cubismo sintético: La segunda etapa del cubismo ya no se caracteriza por el análisis de la realidad sino por concebir el cuadro como una construcción de elementos plásticos, con inclusión de elementos reales. Otorga mayor importancia al objeto y a plasmarlo con cierta fidelidad, con un cromatismo más rico.
Técnicas cubistas
Las formas que construyen los pintores del cubis
b) Cubismo sintético: La segunda etapa del cubismo ya no se caracteriza por el análisis de la realidad sino por concebir el cuadro como una construcción de elementos plásticos, con inclusión de elementos reales. Otorga mayor importancia al objeto y a plasmarlo con cierta fidelidad, con un cromatismo más rico.
Técnicas cubistas
Las formas que construyen los pintores del cubis
mo siguen unos esquemas rígidamente geométricos, muy propios de la pintura intelectualista; en este sentido, son muy significativas dos frases representantes de este estilo, Picasso, “Yo pinto los objetos como los pienso, no como los veo”, y Braque, “Los sentidos deforman, el espíritu forma”.
El artista de este momento escoge un tema pictórico con un objetivo determinado, buscando los cubistas fragmentar un tema y ordenarlo en una composición.
Artistas representativos
Los cubistas
Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) es la gran figura ce
Artistas representativos
Los cubistas
Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) es la gran figura ce
ntral del cubismo, y uno de los grandes genios del arte universal. Su obra artística es muy extensa pero su nombre estará siempre ligado al cubismo como su creador y su máximo representante. En 1907 pinta Las señoritas de Aviñón, cuadro que marca el comienzo del cubismo. Otros cuadros cubistas son Mujer sentada en un sillón, Mujer del abanico, La fábrica de Horta del Ebro, Cabeza de mujer, La muchacha de la mandolina, El aficionado, Retrato de Wilhelm Uhde, Retrato de D. H. Kahnweiler, Hombre con sombrero, Cabeza de muchacha, Naturaleza muerta con una silla de rejilla, Guitarra, Naturaleza muerta, estas tres últimas con colage, Las meninas y El Guernica.
Juan Gris (1887-1927) es el tercer gran cubista. Sus composiciones tienen una firme estructura y un ritmo armonioso. Su cubismo es, fundamentalmente, sintético y coloreado. Comienza a poner a sus obras títulos intranscendentes. Composición, El fumador, Las tazas de té, La celosía, Vaso y paquete de tabaco, El lavabo.
Junto a Picasso, la otra gran figura del cubismo es Georges Braque (1882-1963), con una producción marcada por la predilección por las naturalezas muertas.
A partir de 1912 introduce el procedimiento de incrustar en el lienzo trozos de papel: es el collage o papiers collés, recurso muy utilizado posteriormente por los dadaístas y surrealistas. Otros destacados cubistas son Juan Gris (1887-1927), Fernand Léger, que buscó cierta simplificación de las formas en su obra por medio de estructuras tubulares y figuras de autómatas, Albert Gleizes, Jean Metzinger, los hermanos Duchamp y el futuro dadaísta Francis Picabia.
La zanfonia, de Juan Gris.
Variante del cubismo es el orfismo, una suerte de síntesis del cubismo y el fauvismo, representado en la obra de Robert Delaunay (1885-1941), cuyo “arte puro” se aproxima ya a la abstracción total.
Obra representativa e interpretación
Picasso está en el origen de la creación del cubismo y es su representante pictórico más destacado. Por lo tanto he seleccionado su obra "El Guernica" como relevante dentro de esto movimiento.
"Más que un cuadro es un cartel, un cartel en lienzo sin texto, no hacía falta, todo estaba "escrito" en esta impactante imágen. Picasso, que más tarde se afiliaría al Partido Comunista de Francia, era defensor de la Republica Española y esta tenía en él un fiel artista de fama reconocida. "
Fuente:
En este cuadro, he podido identificar claramente numerosos componentes que creo yo hacen a una obra exclusivamente cubista. Por ejemplo, el hecho de que una figura represente diferentes imágenes, una imagen múltiple ilustrada desde diferentes puntos de vista.
Analizando el contexto histórico, puedo vislumbrar que el artista se encontró fuertemente comocionado por las muertes y el sufrimiento que trajo consigo el bombardeo a esta ciudad vasca el 26 de abril de 1937. Es un cuadro que expresa claramente sufrimiento; colores oscuroas, rostros de mujeres agonizando, hombres asesinándose mutuamente, figuras espectrales y hasta atemorizantes.
Un detalle a destacar debido a su particular connotación simbólica sería esa especie de luz que se desplega en el extremo superior izquierdo del lienzo. Sugiere a mi parecer la idea de que a pesar de la arduas batallas, la humillación llevada a su máximo auge y el extremo dolor, la esperanza se conservaba intacta y como prioridad verdadera.
Sitios utilizados:
http://pastranec.net/arte/sigloxx/cubismo.htm
http://www.profesorenlinea.cl/artes/cubismo.htm
Fauvismo
Origen y definición
El término fovismo surge durante la celebración del Salón de Otoño de 1905 ya que se presentaron numerosas obras a concurso y aparecieron problemas a la hora de clasificar y encajar algunas de ellas. Fue algo parecido a lo que pasó en su momento con los impresionistas cuando una serie de pinturas fueron calificadas de «incoherentes» y sus autores excluidos del salón por expresarse de un modo intenso y diferente. El crítico Louis Vauxcelles afirmó sobre ese conjunto de obras Mais c'est Donatello parmi les fauves (Pero, es Donatello entre las fieras), por lo que de la palabra fauve se derivó en fauvisme (fauvismo o fovismo). La mención a Donatello se debe a que en la misma sala había una escultura de corte renacentista. Los autores de las obras no dieron importancia a lo peyorativo del nombre «fauvisme», sino que, en cambio, lo adoptaron como distintivo de sus obras.
El fundamento de este movimiento es la liberación del color respecto al dibujo exaltando los contrastes cromáticos. Los artistas fauves van a trabajar con la teoría del color interpretando qué colores son primarios, cuáles son secundarios y cuáles son complementarios. Mediante este planteamiento consiguieron una complementariedad entre colores, lo que producía un mayor contraste visual y una mayor fuerza cromática.
Defendían una actitud rebelde, un intento de transgresión de las normas con respecto a la pintura. Buscaban en definitiva, algo diferente, que les hiciese avanzar en el ámbito artístico.
Técnicas fouvistas
Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento condicionó su forma de pintar. No buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Por ello, rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo.
Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando matizar los colores. Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno. Sus creaciones respondían a un ejercicio de sintetización, buscan la máxima intensidad emocional combinada con la máxima simplificación de elementos. Por ello renuncian a la perspectiva clásica, al claroscuro y al modelado de los volúmenes. La luz tiende a desaparecer y con ella la profundidad. Sus temas son retratos, naturalezas muertas, personajes en interiores, paisajes hermosos.
Otra característica es el gusto por la estética de las estatuas y máscaras africanas. El arte de los pueblos primitivos no es imitativo, sino que plantea un evidente alejamiento de las formas naturalistas para tender a la esquematización.
http://www.arteespana.com/fauvismo.htm
Artistas representativos
Los artistas más destacados son: Henri Matisse, André Derain, Maurice Vlamink, Braque, Friesz, Rouault, Marquet, Dufy y van Dongen. Quien le dio el nombre de fauvismo a este movimiento, fue Louis Vauxcelles, en su crítica hecha en el Salón de Otoño de 1905, por causa de los violentos métodos que utilizaban los artistas anteriormente nombrados.
Henri Matisse: Pintor francés líder del fauvismo. Está considerado como una de las grandes personalidades en la configuración del arte del siglo XX, maestro a la hora de expresar sentimientos a través del uso del color y la forma. Matisse nació en Le Cateau-Cambrésis, en el norte de Francia, el 31 de diciembre de 1869, en el seno de una familia de clase media. Estudió derecho en París entre 1887 y 1889. Comenzó a ejercer como abogado, sin embargo, en 1890, mientras se recuperaba de una apendicitis, se sintió atraído por la pintura. En 1892 abandonó su carrera de abogado y fue admitido en la Escuela de Bellas Artes de la capital francesa. Su primera formación la realizó dentro de la tradición académica y conservadora, por lo que su primer estilo consistía en una forma convencional de naturalismo, realizando numerosas copias de los cuadros de los maestros clásicos. A su vez, estudió el arte contemporáneo, sobre todo el de los impresionistas, comenzando su propia experimentación, que le valió una reputación de miembro rebelde en las clases del estudio. La verdadera liberación artística de Matisse, en términos del uso del color como configurador de formas y planos espaciales, se produjo bajo la influencia de Paul Gauguin, Paul Cézanne y Vincent van Gogh, cuya obra estudió con detenimiento desde 1899 aproximadamente. Más tarde, entre 1903 y 1904, Matisse se enfrentó a la pintura puntillista de Henri Edmond Cross y Paul Signac. Ambos estaban experimentando con la yuxtaposición de pequeñas pinceladas (a menudo puntos) de pigmento puro para crear fuertes vibraciones visuales de color intenso sobre la superficie del cuadro. Matisse adoptó esta técnica pero la modificó aplicando pinceladas más amplias. Hacia 1905 había producido unas imágenes cuya audacia cromática rompía con todo lo anterior. Entre estas obras destaca Raya verde (Madame Matisse, 1905, Museo Estatal de Arte, Copenhague), un retrato con notas expresionistas de su mujer. El título deriva de la amplia pincelada de verde brillante que define la frente y la nariz de su esposa. Ese mismo año Matisse expuso junto a pintores de la misma tendencia como André Derain y Maurice de Vlaminck. Como consecuencia de esta exposición, el grupo es bautizado como les fauves (literalmente las bestias salvajes) por su uso estridente del color, distorsión de las formas y su sentido expresionista en la captación de emociones. El bodegón representó un papel central en la maduración pictórica de Matisse. Su primer cuadro fue una Naturaleza muerta con libros. En 1902, año de ejecución de Las flores amarillas (Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza), atravesaba lo que algunos han calificado como el periodo oscuro, que acabó en 1904, periodo de obras de enorme energía que estallaría en las pinturas fauves de 1905. A medida que fue considerado como el cabecilla del radicalismo artístico, Matisse se ganó la aprobación de la crítica influyente y de los coleccionistas, como la de la escritora estadounidense Gertrude Stein y su familia.Entre los encargos más importantes que recibió se encuentra el del coleccionista ruso que le pidió unos paneles murales ilustrando temas de danza y música, La Música y La Danza (acabados ambos en 1911, hoy en el Ermitage, San Petersburgo). Sus figuras de bailarines, y, en general, todas sus figuras humanas, responden, en primer lugar, a la expresividad de la forma, y sólo secundariamente a los detalles anatómicos. Este principio se extiende a otros campos como el de las esculturas en bronce, dibujos y obras en diversos medios gráficos. Matisse, junto al contenido intelectual, siempre destacó la importancia del instinto y la intuición en su producción artística. Afirmaba que un artista no tiene un completo dominio sobre formas y colores, sino que son las propias formas, líneas y colores los que deben dictar al artista sensible el modo en que deben ser combinadas. A menudo aludía al gozo que experimentaba al abandonarse al juego de las fuerzas del color y el diseño, y explicaba las formas rítmicas pero distorsionadas de muchas de sus figuras en términos de la revelación de una armonía pictórica total. Desde 1920 hasta su muerte, Matisse pasó mucho tiempo en el sur de Francia, sobre todo en Niza, pintando escenas locales de colorido fluido y brillante. Cuando contaba con una edad avanzada se le encargó la decoración de la capilla de Santa María del Rosario en Vence (cerca de Cannes), que terminó entre 1947 y 1951. Durante sus últimos años, debido a la dificultad a la hora de manejar el pincel y a su estado a menudo de postración, se entregó al découpage (técnica de papeles gouacheados y recortados), creando obras de un brillante colorido. Matisse murió en Niza el 3 de noviembre de 1954. A diferencia de otros artistas, tuvo un reconocimiento internacional durante su vida, gozando del favor de los coleccionistas, críticos de arte y de la generación de artistas más jóvenes. En 1952 se inauguró el Museo Matisse en su ciudad natal.
Maurice de Vlaminck: Pintor fauvista francés, que nació en Paris. Antes de convertirse en artista, fue ciclista de competición y trabajaba como violinista. En buena medida fue un autodidacta que atacó los principios de la pintura académica hasta el punto de declarar que se sentía orgulloso de no haber pisado el Louvre.
Después de 1900 compartió un estudio con su amigo André Derain durante un corto periodo de tiempo, ambos formaron parte del grupo que expuso en el Salón de Otoño de 1905 y que se conocería como los fauves ( bestias salvajes ). La obra de Vlaminck está muy influida por el colorido y la pincelada de Vincent van Gogh, sobre cuya obra se había mostrado una retrospectiva en París en 1901. Realizadas con pigmentos puros e intensos, sus obras fauvistas producen brillantes contrastes cromáticos, como es el caso de Árboles rojos (1906, Museo Nacional de Arte Moderno, París). Sin embargo, antes de que el fauvismo se agotara, en 1908 su obra —básicamente paisajes— se vuelve más suave en color y composición, como se refleja en las telas La casa del pintor en Valmondois (1920, Museo Nacional de Arte Moderno, París) y El camino de la aldea (1935, Colección Arthur Macrae, Londres). Vlaminck también escribió varias novelas.
Andrés Derain: Nació el 10 de junio de 1880 en Chatou. Cursó estudios en la academia Carriére, de París. Conoció a Matisse en el Museo del Louvre y este le presentó al marchante Vollard, con el que firmó un contrato por el monopolio de sus obras. En 1095 triunfaba el fauvismo y se une a este movimiento con gran entusiasmo. Este mismo año viaja a Londres, donde pinta diferentes escenas del Támesis. Conoció a Picasso y convivió una temporada con él, cuando este pintaba su primer cuadro cubista. Expuso en Alemania y América. En 1928 gana el premio de la Exposición internacional de Larnegie en Pittsburg. Entre sus obras destacan: “Le Pont du Pecq” (1909) y “Reflejos sobre el agua” (1905). En 1959 se exponen sus bronces, que fue realizando sobre objetos de arte negro que coleccionaba. La aparición de sus obras fauves en la exposición nazi sobre “arte degenerado” no le impidió acompañar a otros artistas en un viaje por Alemania organizado por el Tercer Reich a finales de 1941. Acabada la guerra, hubo de responder a graves imputaciones por su supuesto colaboracionismo. Falleció en París el 8 de septiembre de 1954.
Pablo Ruiz Picasso fue un pintor español (1881-1973)
Es uno de los grandes artistas de su tiempo. Picasso también fue quizás una de las mayores influencias de otros grandes artistas de su tiempo. Pablo Picasso fue el fundador de muchos movimientos artísticos que se propagan en todo el mundo, lo que afecta no sólo su arte, sino también el arte en todas partes. Uno de sus mayores logros es haber más de 2,000 obras sobrevivientes en museos de toda Europa, y el resto del mundo. Otras pinturas y esculturas que, cuando se considera que algunos de los mejores trabajos de la historia, lamentablemente, se han perdido desde entonces.
Nació el 25 de octubre de 1881, en Málaga, España, como el hijo profesor de arte y de dibujo. Fue un estudiante brillante. Él pasó el examen de ingreso para el Barcelona en la Escuela de Bellas Artes, a la edad de 14 años en un solo día y se le permitió saltarse las dos primeras clases. De acuerdo con una de las muchas leyendas sobre la vida del artista, su padre, reconociendo el extraordinario talento de su hijo, le dio los pinceles y su paleta y prometió nunca más volver a pintar en su vida
En 1895 Don José tiene una cátedra en “La Lonja”, la Escuela de Bellas Artes en Barcelona y la familia se estableció allí. Pablo pasó el examen de ingreso en un curso avanzado en el arte clásico y aún la vida en la misma escuela. Fue mejor que los estudiantes de alto nivel haciendo su examen final.
“A diferencia de la música, no hay niños prodigio de la pintura. Lo que la gente respecto como prematuro genio es el genio de la infancia. No desaparece gradualmente a medida que envejece. Es posible que ese niño se convierta en un verdadero pintor de un día, quizás incluso un gran pintor. Pero tendría que empezar desde el principio. Por lo tanto, lo que a mí respecta, yo no tenía que genio. Mis primeros dibujos podría nunca se ha demostrado en una exposición de dibujos infantiles. Me faltaba la torpeza de un niño, su ingenuidad. He hecho dibujos académicos a la edad de siete años, la precisión de minutos que me asustó. “- Picasso.
Políticamente, Picasso se declaraba pacifista y comunista, fue miembro del Partido Comunista Francés hasta su muerte.
Falleció en Notre Dame de Vie (Mougins, Francia) en el 1973 a los 91 años de edad.
Obra representativa e interpretación
He seleccionado En La alegría de vivir (1905-1906)de Henri Mattisse.
Considerando el historial del artista, creo que resume su aprendizaje inicial de los cuadros clásicos, de Gaugain, de las estampas japonesas y de los iconos persas y bizantinos. Fue la obra clave de su carrera. Es una escena fruto de su imaginación, totalmente subjetiva. Utilizó el tema de las bañistas y las odaliscas orientales y las traspasa a un ambiente occidental. Definió los espacios mediante amplias áreas de colores sin matizar, estructurados por medio de las líneas de los cuerpos, que dirigen la vista del espectador y marcan el ritmo de la composición.
Sitios utilizados
http://es.wikipedia.org/wiki/Fovismo
http://fauvismosigloxx.wordpress.com/
El término fovismo surge durante la celebración del Salón de Otoño de 1905 ya que se presentaron numerosas obras a concurso y aparecieron problemas a la hora de clasificar y encajar algunas de ellas. Fue algo parecido a lo que pasó en su momento con los impresionistas cuando una serie de pinturas fueron calificadas de «incoherentes» y sus autores excluidos del salón por expresarse de un modo intenso y diferente. El crítico Louis Vauxcelles afirmó sobre ese conjunto de obras Mais c'est Donatello parmi les fauves (Pero, es Donatello entre las fieras), por lo que de la palabra fauve se derivó en fauvisme (fauvismo o fovismo). La mención a Donatello se debe a que en la misma sala había una escultura de corte renacentista. Los autores de las obras no dieron importancia a lo peyorativo del nombre «fauvisme», sino que, en cambio, lo adoptaron como distintivo de sus obras.
El fundamento de este movimiento es la liberación del color respecto al dibujo exaltando los contrastes cromáticos. Los artistas fauves van a trabajar con la teoría del color interpretando qué colores son primarios, cuáles son secundarios y cuáles son complementarios. Mediante este planteamiento consiguieron una complementariedad entre colores, lo que producía un mayor contraste visual y una mayor fuerza cromática.
Defendían una actitud rebelde, un intento de transgresión de las normas con respecto a la pintura. Buscaban en definitiva, algo diferente, que les hiciese avanzar en el ámbito artístico.
Técnicas fouvistas
Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento condicionó su forma de pintar. No buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Por ello, rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los colores violentos para crear un mayor énfasis expresivo.
Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando matizar los colores. Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno. Sus creaciones respondían a un ejercicio de sintetización, buscan la máxima intensidad emocional combinada con la máxima simplificación de elementos. Por ello renuncian a la perspectiva clásica, al claroscuro y al modelado de los volúmenes. La luz tiende a desaparecer y con ella la profundidad. Sus temas son retratos, naturalezas muertas, personajes en interiores, paisajes hermosos.
Otra característica es el gusto por la estética de las estatuas y máscaras africanas. El arte de los pueblos primitivos no es imitativo, sino que plantea un evidente alejamiento de las formas naturalistas para tender a la esquematización.
http://www.arteespana.com/fauvismo.htm
Artistas representativos
Los artistas más destacados son: Henri Matisse, André Derain, Maurice Vlamink, Braque, Friesz, Rouault, Marquet, Dufy y van Dongen. Quien le dio el nombre de fauvismo a este movimiento, fue Louis Vauxcelles, en su crítica hecha en el Salón de Otoño de 1905, por causa de los violentos métodos que utilizaban los artistas anteriormente nombrados.
Henri Matisse: Pintor francés líder del fauvismo. Está considerado como una de las grandes personalidades en la configuración del arte del siglo XX, maestro a la hora de expresar sentimientos a través del uso del color y la forma. Matisse nació en Le Cateau-Cambrésis, en el norte de Francia, el 31 de diciembre de 1869, en el seno de una familia de clase media. Estudió derecho en París entre 1887 y 1889. Comenzó a ejercer como abogado, sin embargo, en 1890, mientras se recuperaba de una apendicitis, se sintió atraído por la pintura. En 1892 abandonó su carrera de abogado y fue admitido en la Escuela de Bellas Artes de la capital francesa. Su primera formación la realizó dentro de la tradición académica y conservadora, por lo que su primer estilo consistía en una forma convencional de naturalismo, realizando numerosas copias de los cuadros de los maestros clásicos. A su vez, estudió el arte contemporáneo, sobre todo el de los impresionistas, comenzando su propia experimentación, que le valió una reputación de miembro rebelde en las clases del estudio. La verdadera liberación artística de Matisse, en términos del uso del color como configurador de formas y planos espaciales, se produjo bajo la influencia de Paul Gauguin, Paul Cézanne y Vincent van Gogh, cuya obra estudió con detenimiento desde 1899 aproximadamente. Más tarde, entre 1903 y 1904, Matisse se enfrentó a la pintura puntillista de Henri Edmond Cross y Paul Signac. Ambos estaban experimentando con la yuxtaposición de pequeñas pinceladas (a menudo puntos) de pigmento puro para crear fuertes vibraciones visuales de color intenso sobre la superficie del cuadro. Matisse adoptó esta técnica pero la modificó aplicando pinceladas más amplias. Hacia 1905 había producido unas imágenes cuya audacia cromática rompía con todo lo anterior. Entre estas obras destaca Raya verde (Madame Matisse, 1905, Museo Estatal de Arte, Copenhague), un retrato con notas expresionistas de su mujer. El título deriva de la amplia pincelada de verde brillante que define la frente y la nariz de su esposa. Ese mismo año Matisse expuso junto a pintores de la misma tendencia como André Derain y Maurice de Vlaminck. Como consecuencia de esta exposición, el grupo es bautizado como les fauves (literalmente las bestias salvajes) por su uso estridente del color, distorsión de las formas y su sentido expresionista en la captación de emociones. El bodegón representó un papel central en la maduración pictórica de Matisse. Su primer cuadro fue una Naturaleza muerta con libros. En 1902, año de ejecución de Las flores amarillas (Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza), atravesaba lo que algunos han calificado como el periodo oscuro, que acabó en 1904, periodo de obras de enorme energía que estallaría en las pinturas fauves de 1905. A medida que fue considerado como el cabecilla del radicalismo artístico, Matisse se ganó la aprobación de la crítica influyente y de los coleccionistas, como la de la escritora estadounidense Gertrude Stein y su familia.Entre los encargos más importantes que recibió se encuentra el del coleccionista ruso que le pidió unos paneles murales ilustrando temas de danza y música, La Música y La Danza (acabados ambos en 1911, hoy en el Ermitage, San Petersburgo). Sus figuras de bailarines, y, en general, todas sus figuras humanas, responden, en primer lugar, a la expresividad de la forma, y sólo secundariamente a los detalles anatómicos. Este principio se extiende a otros campos como el de las esculturas en bronce, dibujos y obras en diversos medios gráficos. Matisse, junto al contenido intelectual, siempre destacó la importancia del instinto y la intuición en su producción artística. Afirmaba que un artista no tiene un completo dominio sobre formas y colores, sino que son las propias formas, líneas y colores los que deben dictar al artista sensible el modo en que deben ser combinadas. A menudo aludía al gozo que experimentaba al abandonarse al juego de las fuerzas del color y el diseño, y explicaba las formas rítmicas pero distorsionadas de muchas de sus figuras en términos de la revelación de una armonía pictórica total. Desde 1920 hasta su muerte, Matisse pasó mucho tiempo en el sur de Francia, sobre todo en Niza, pintando escenas locales de colorido fluido y brillante. Cuando contaba con una edad avanzada se le encargó la decoración de la capilla de Santa María del Rosario en Vence (cerca de Cannes), que terminó entre 1947 y 1951. Durante sus últimos años, debido a la dificultad a la hora de manejar el pincel y a su estado a menudo de postración, se entregó al découpage (técnica de papeles gouacheados y recortados), creando obras de un brillante colorido. Matisse murió en Niza el 3 de noviembre de 1954. A diferencia de otros artistas, tuvo un reconocimiento internacional durante su vida, gozando del favor de los coleccionistas, críticos de arte y de la generación de artistas más jóvenes. En 1952 se inauguró el Museo Matisse en su ciudad natal.
Maurice de Vlaminck: Pintor fauvista francés, que nació en Paris. Antes de convertirse en artista, fue ciclista de competición y trabajaba como violinista. En buena medida fue un autodidacta que atacó los principios de la pintura académica hasta el punto de declarar que se sentía orgulloso de no haber pisado el Louvre.
Después de 1900 compartió un estudio con su amigo André Derain durante un corto periodo de tiempo, ambos formaron parte del grupo que expuso en el Salón de Otoño de 1905 y que se conocería como los fauves ( bestias salvajes ). La obra de Vlaminck está muy influida por el colorido y la pincelada de Vincent van Gogh, sobre cuya obra se había mostrado una retrospectiva en París en 1901. Realizadas con pigmentos puros e intensos, sus obras fauvistas producen brillantes contrastes cromáticos, como es el caso de Árboles rojos (1906, Museo Nacional de Arte Moderno, París). Sin embargo, antes de que el fauvismo se agotara, en 1908 su obra —básicamente paisajes— se vuelve más suave en color y composición, como se refleja en las telas La casa del pintor en Valmondois (1920, Museo Nacional de Arte Moderno, París) y El camino de la aldea (1935, Colección Arthur Macrae, Londres). Vlaminck también escribió varias novelas.
Andrés Derain: Nació el 10 de junio de 1880 en Chatou. Cursó estudios en la academia Carriére, de París. Conoció a Matisse en el Museo del Louvre y este le presentó al marchante Vollard, con el que firmó un contrato por el monopolio de sus obras. En 1095 triunfaba el fauvismo y se une a este movimiento con gran entusiasmo. Este mismo año viaja a Londres, donde pinta diferentes escenas del Támesis. Conoció a Picasso y convivió una temporada con él, cuando este pintaba su primer cuadro cubista. Expuso en Alemania y América. En 1928 gana el premio de la Exposición internacional de Larnegie en Pittsburg. Entre sus obras destacan: “Le Pont du Pecq” (1909) y “Reflejos sobre el agua” (1905). En 1959 se exponen sus bronces, que fue realizando sobre objetos de arte negro que coleccionaba. La aparición de sus obras fauves en la exposición nazi sobre “arte degenerado” no le impidió acompañar a otros artistas en un viaje por Alemania organizado por el Tercer Reich a finales de 1941. Acabada la guerra, hubo de responder a graves imputaciones por su supuesto colaboracionismo. Falleció en París el 8 de septiembre de 1954.
Pablo Ruiz Picasso fue un pintor español (1881-1973)
Es uno de los grandes artistas de su tiempo. Picasso también fue quizás una de las mayores influencias de otros grandes artistas de su tiempo. Pablo Picasso fue el fundador de muchos movimientos artísticos que se propagan en todo el mundo, lo que afecta no sólo su arte, sino también el arte en todas partes. Uno de sus mayores logros es haber más de 2,000 obras sobrevivientes en museos de toda Europa, y el resto del mundo. Otras pinturas y esculturas que, cuando se considera que algunos de los mejores trabajos de la historia, lamentablemente, se han perdido desde entonces.
Nació el 25 de octubre de 1881, en Málaga, España, como el hijo profesor de arte y de dibujo. Fue un estudiante brillante. Él pasó el examen de ingreso para el Barcelona en la Escuela de Bellas Artes, a la edad de 14 años en un solo día y se le permitió saltarse las dos primeras clases. De acuerdo con una de las muchas leyendas sobre la vida del artista, su padre, reconociendo el extraordinario talento de su hijo, le dio los pinceles y su paleta y prometió nunca más volver a pintar en su vida
En 1895 Don José tiene una cátedra en “La Lonja”, la Escuela de Bellas Artes en Barcelona y la familia se estableció allí. Pablo pasó el examen de ingreso en un curso avanzado en el arte clásico y aún la vida en la misma escuela. Fue mejor que los estudiantes de alto nivel haciendo su examen final.
“A diferencia de la música, no hay niños prodigio de la pintura. Lo que la gente respecto como prematuro genio es el genio de la infancia. No desaparece gradualmente a medida que envejece. Es posible que ese niño se convierta en un verdadero pintor de un día, quizás incluso un gran pintor. Pero tendría que empezar desde el principio. Por lo tanto, lo que a mí respecta, yo no tenía que genio. Mis primeros dibujos podría nunca se ha demostrado en una exposición de dibujos infantiles. Me faltaba la torpeza de un niño, su ingenuidad. He hecho dibujos académicos a la edad de siete años, la precisión de minutos que me asustó. “- Picasso.
Políticamente, Picasso se declaraba pacifista y comunista, fue miembro del Partido Comunista Francés hasta su muerte.
Falleció en Notre Dame de Vie (Mougins, Francia) en el 1973 a los 91 años de edad.
Obra representativa e interpretación
He seleccionado En La alegría de vivir (1905-1906)de Henri Mattisse.
Considerando el historial del artista, creo que resume su aprendizaje inicial de los cuadros clásicos, de Gaugain, de las estampas japonesas y de los iconos persas y bizantinos. Fue la obra clave de su carrera. Es una escena fruto de su imaginación, totalmente subjetiva. Utilizó el tema de las bañistas y las odaliscas orientales y las traspasa a un ambiente occidental. Definió los espacios mediante amplias áreas de colores sin matizar, estructurados por medio de las líneas de los cuerpos, que dirigen la vista del espectador y marcan el ritmo de la composición.Sitios utilizados
http://es.wikipedia.org/wiki/Fovismo
http://fauvismosigloxx.wordpress.com/
Expresionismo
Definición y origen
Fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.
El expresionismo se define como un movimiento que surge como reacción al impresionismo; se desarrolla principalmente en Alemania en el primer tercio del siglo XX; (desde 1905 hasta finales de la década de 1920), por lo cual sufre el tremendo impacto de la primera guerra mundial.
Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética.
Otro grupo de gran influencia es el simbolismo, entendido como la búsqueda en la cual el artista, limitando la pintura objetiva, concreta los sentimientos, los estados del alma, los miedos subjetivos, las fantasías y los sueños.
Otro grupo de gran influencia es el simbolismo, entendido como la búsqueda en la cual el artista, limitando la pintura objetiva, concreta los sentimientos, los estados del alma, los miedos subjetivos, las fantasías y los sueños.
Técnicas expresionistas
El fin que buscaban los pintores expresionistas es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas. Representaban las emociones sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna y de las impresiones que despierta en el observador. La fuerza psicológica y expresiva se plasma a través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva. Aquí, mo importa ni la luz ni la perspectiva, que se altera intencionadamente.
Artistas representativos
Encontramos algunas raíces del Expresionismo en las pinturas negras de Goya, que rompe con las convicciones con las que se representaban las anatomías para sumergirse en el mundo interior. Sin embargo, los referentes inmediatos son Van Gogh y Gaugain, tanto por la técnica como por la profundidad psicológica.
Francisco de Goya(Fuendetodos, Zaragoza, 30 de marzo de 1746 – Burdeos, Francia, 16 de abril de 1828)
Francisco de Goya(Fuendetodos, Zaragoza, 30 de marzo de 1746 – Burdeos, Francia, 16 de abril de 1828)
Fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.
Autoretrato del artista
Matthias Grünewald (hacia 1470, Wurzburgo, actual Alemania - † 31 de agosto de 1528, Halle)
Fue un pintor e ingeniero hidráulico alemán renacentista. Pintó principalmente obras religiosas, especialmente escenas de crucifixión sombrías y llenas de dolor. El carácter visionario de su obra, con sus expresivos color y línea, contrasta con la obra de su contemporáneo Alberto Durero. Sus pinturas son conocidas por sus formas dramáticas, colores vívidos y el tratamiento de la luz.
Juan Evangelista (largo tiempo considerado un autorretrato) de Grünewald
La Crucifixión (1512-1516)
Establecimiento de Santa Maria Maggiore en Roma (1517-1519)
"La puerta a la derecha se abría a la planta superior y la escalera, la puerta de la izquierda servía para la habitación de invitados que preparó para Gauguin. Sobre la pared del frente se abre una ventana, por encima de una mesita, ligeramente descentrada. Esta ventana daba a la Place Lamartine y sus jardines públicos. Pero el panorama más allá de la ventana no puede verse. La habitación no era rectangular sino trapezoidal, con un ángulo obtuso en la esquina izquierda de la pared frontal y un ángulo agudo en la derecha. Van Gogh evidentemente no dedicó mucho tiempo a este problema, simplemente indicó que allí, de alguna manera, había una esquina. Es un alojamiento modesto, con poco mobiliario, hecho de madera de pino: una cama a la derecha, un perchero, dos sillas, una mesilla de madera en el ángulo y cuadros en las paredes."
La vana representación de una alcoba común y corriente es increíblemente engañosa para el ojo del espectador; a aquellas sillas esparcidas por el cuarto, por ejemplo, podemos interpretarlas como un fuerte deseo de compañía que no está siendo saciado ni atendido. También podríamos tomar lo inóspito del lugar como presagio del inmenso deseo de companía que siente quien la retrató, un arduo querer sentirse rodeado de personas y compartir su espacio.
Triple generación (1760-1769)
Matthias Grünewald (hacia 1470, Wurzburgo, actual Alemania - † 31 de agosto de 1528, Halle)
Fue un pintor e ingeniero hidráulico alemán renacentista. Pintó principalmente obras religiosas, especialmente escenas de crucifixión sombrías y llenas de dolor. El carácter visionario de su obra, con sus expresivos color y línea, contrasta con la obra de su contemporáneo Alberto Durero. Sus pinturas son conocidas por sus formas dramáticas, colores vívidos y el tratamiento de la luz.
Juan Evangelista (largo tiempo considerado un autorretrato) de Grünewald
La Crucifixión (1512-1516)
Establecimiento de Santa Maria Maggiore en Roma (1517-1519)Obra representativa e interpretación
El dormitorio en Arles (1888), de Vincent Van Gogh es la obra que seleccioné como distintiva de este tan amplio movimiento pictórico.
Me resultó realmente asombroso descubrir la infinita gama de significados que presenta esta representación puramente minimalista. Es por esto que tratará de sintetizarlos en los siguientes párrafos.
"La puerta a la derecha se abría a la planta superior y la escalera, la puerta de la izquierda servía para la habitación de invitados que preparó para Gauguin. Sobre la pared del frente se abre una ventana, por encima de una mesita, ligeramente descentrada. Esta ventana daba a la Place Lamartine y sus jardines públicos. Pero el panorama más allá de la ventana no puede verse. La habitación no era rectangular sino trapezoidal, con un ángulo obtuso en la esquina izquierda de la pared frontal y un ángulo agudo en la derecha. Van Gogh evidentemente no dedicó mucho tiempo a este problema, simplemente indicó que allí, de alguna manera, había una esquina. Es un alojamiento modesto, con poco mobiliario, hecho de madera de pino: una cama a la derecha, un perchero, dos sillas, una mesilla de madera en el ángulo y cuadros en las paredes."
La vana representación de una alcoba común y corriente es increíblemente engañosa para el ojo del espectador; a aquellas sillas esparcidas por el cuarto, por ejemplo, podemos interpretarlas como un fuerte deseo de compañía que no está siendo saciado ni atendido. También podríamos tomar lo inóspito del lugar como presagio del inmenso deseo de companía que siente quien la retrató, un arduo querer sentirse rodeado de personas y compartir su espacio.
Yendo a las especificaciones técnicas, la pintura es un óleo sobre lienzo de aproximadamente 72 cm × 90 cm y se encuentra en el Museo Van Gogh, Ámsterdam.
Suscribirse a:
Entradas (Atom)